Por Evan J. Garza

La época posterior a la Revolución Mexicana de 1910 fue turbulenta para los mexicanos, un período que se vio agudizado por los efectos de la Primera Guerra Mundial en la década siguiente. El mundo – y el arte – se encontraba sufriendo los dolores de parto del nacimiento del modernismo.

Dos exposiciones recién inauguradas en el Museo de Bellas Artes de Boston (MFA, por sus siglas en inglés) destacan esta época en la historia del arte mexicano a través de dos puntos de vista: la de un fotógrafo norteamericano originario de Illinois con su amante italiana, y la de un grupo de muralistas y litógrafos mexicanos. Si bien las dos exposiciones se enfocan en contribuciones de cada artista, también implican, desafortunadamente, que un diálogo sobre este período en México de alguna manera no está completo sin tener que conjurar a Frida Kahlo.

“Viva México! Edward Weston and His Contemporaries” es una mezcolanza sobre extendida de fotografías tomadas por el artista norteamericano durante su estancia en México entre 1923 y 1926. La exhibición está tomada casi en su totalidad de la Colección Lane – considerada una de las más importantes colecciones del trabajo del artista – que fue prestada al museo. Muchas de las fotos de Weston en la exposición, si bien poco comunes y ricas en textura y claridad, parecen más estudios que obras genuinas, lo cual molesta un poco. Sin embargo, la atención se desvía rápidamente de Weston en la exposición.

También se presentan fotografías del hijo de Weston, Brett; del fotógrafo norteamericano Paul Strand; y de la novia de Weston, Tina Modotti, la celebridad italiana que se convirtió en su asistente y modelo a cambio de clases profesionales de fotografía. Se presentan imágenes desnudas de Modotti en la Galería Herb Ritts del MFA, y una hecha por ella de un mural de Diego Rivera basado en una foto de Modotti desnuda tomada por Weston.

Junto a esta pieza está “Desnudo”, de Manuel Álvarez Bravo, el único artista mexicano en esta galería. Este tipo de conexiones parecen apropiadas en éste contexto, en el cual los artistas mexicanos se veían claramente influenciados por otros artistas que trabajaban en México y viceversa. Quizá sea por eso que se incluye un retrato fortuito de Frida Kahlo tomado por Nickolas Murray en 1939. “No podíamos tener una muestra fotográfica mexicana sin Frida”, dice Karen Hass, la organizadora de la exposición y curadora de fotografías de la Colección Lane. ¿En serio? Yo creo que ciertamente sí se puede.

En una galería adyacente se exhibe “Vida y Drama: Modern Mexican Prints”, una contraparte mucho mejor curada y culturalmente instructiva que la muestra anterior. Mientras que la de Weston se concentra en textura, luz y ejercicio formal, “Vida y Drama” se enfoca directamente en la influencia que tuvieron algunos artistas e impresores en la identidad, la sociedad y la modernización de la producción artística en México.

Se incluyen obras de José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera, quienes son conocidos como “Los Tres Grandes”, pues su trabajo comprende tres de las más grandes contribuciones al muralismo. En contraste a estos tres artistas – cuyos colegas presentados en la muestra incluyen a Rufino Tamayo, Alberto Beltrán y otros – se presentan obras del Taller de Gráfica Popular, un taller humilde en donde se producían obras de composición formal a la vez que se aplicaban temas como el del “costo humano” explorado comúnmente por Los Tres Grandes.

La muestra también expone el calibre de los artistas del Taller. Colgado junto a otros posters está “Zapata” (1932) de Diego Rivera, seguramente la impresión mexicana más famosa y más reconocible. Esto pudiera sugerir que “Zapata” sería la estrella de la muestra, pero sorprendentemente no lo es, pues ese título se lo lleva otra obra de Rivera y la segunda encarnación de Frida Kahlo de las dos exposiciones: un montaje litográfico llamado “La Mujer” (1930). De un lado del montaje, se ve un dibujo de Frida sentada en la esquina de una cama, y en el otro es una exposición doble de la misma imagen reflejada sobre sí misma de tal modo que parece simétrica, y de alguna manera, una versión más completa de la misma. Las líneas en el montaje de repente se notan abstractas, y las facciones famosas de Frida se pierden en la doble exposición. Presentada en el centro de la galería en un pedestal enmarcado, esta obra representa el movimiento del país hacia el modernismo, en estilo y en composición. Además, define de manera virtuosa la inclinación modernista de atribuir valor a una aplicación conceptual.

En exhibiciones como estas, es importante poder separar los íconos de su relevancia histórica y artística. La inclusión de Frida en “Vida y Drama” no tiene nada que ver con ella, sino con la manera en que su imagen es manipulada en el montaje. Su presencia arbitraria en la muestra de Weston irradia la mitología popularizada de que si uno va a montar una exposición sobre el México de mediados de siglo, entonces hay que insertar a Frida. Ambos, "Viva México" y "Vida y Drama" ofrecen oportunidades excepcionales de ver obras poco comunes, y esa premisa es suficiente para garantizar varias idas al museo, aún si la exposición de Weston lo inspira a uno a huir.

* Evan J. Garza es actualmente curador y mánager de la galería del Villa Victoria Center for the Arts en el South End.